戏剧的故事——9.3 欧洲、英国和美国

现实主义继续发展 1945—2000 年间，一些剧作家继续改变现实主义的形式，并且在早期的戏剧革新者易卜生、契诃夫和斯特林堡成就的基础上创造了新的类型。其中之一就是选择现实主义。 第二次世界大战后两位重要的美国作家是田纳西•威廉斯（TennesseeWilliams，1911—1983）和阿瑟•米勒（Arthur Miller，1915—2005）。威廉斯重要的现实主义作品包括《欲望号街车》（A Streetcar Named Desire，1947）、《热铁皮屋顶上的猫》（Cat on a Hot Tin Roof，1954），《鬣蜥之夜》（The Nightof the Iguana，1961），其中《热铁皮屋顶上的猫》和《欲望号街车》获得了普利策文学奖。米勒的现实主义作品包括《都是我的儿子》（All My Sons，1947）和《桥头眺望》（A view from the Bridge，1955）。 一些批评家认为米勒和威廉斯在用现实主义的类型之一——选择现实主义的手法写作，增加行动、场景和对话中的某些细节，同时忽略其他部分。如在米勒的《推销员之死》（Death of a Salesman，1949）中，剧作家突出了主要人物威利•罗曼的选择因素——象征他衰败的要素。并且，威利心中的场景和来自过去的场景被点缀在现在的场景里。《推销员之死》的场景设置在一个可辨识的现实世界里，但其中的要素被认真挑选，用以强调主题思想。田纳西•威廉斯在《玻璃动物园》（The Glass Menagerie，1945）中将叙述者这个戏剧设置和现实主义场景结合在一起。 整个20 世纪，现实主义经常被周期性地宣布终结，但这种形式却以充沛的活力延续至今。1962 年，另一个美国作家爱德华•阿尔比（Edward Albee，1928—），以他的剧作《谁害怕弗吉尼亚•伍尔夫》（Who’s Afraid of VirginiaWoolf ? 1962）加入了现实主义作家的行列。然而，阿尔比的风格非常神秘，他的一些戏剧作品，如《三个高个子女人》（Three Tall Women，1991）、《与那个婴儿有关的戏》（The Play about the Baby，1998）、《山羊》（TheGoat）和《谁是苏维亚》（Who Is Sylvia），结合了现实主义和非现实主义手法。20 世纪50 年代的英国，一群反对正宗流派的剧作家被统称为“愤怒的青年”，“愤怒的青年”谈论消融中的大不列颠帝国、阶级冲突和政治上的幻灭。大部分“愤怒的青年”的戏剧作品都使用传统的现实主义形式，只有一些轻微的修改。其中最著名的是约翰•奥斯本（John Osborne，1929—1994）的《愤怒的回顾》（Look Back in Anger,1956）。 对现实主义的实验和背离：1945—1980 1945 年到1980 年间，出现了大量戏剧形式和戏剧手法的实验。大部分实验的内驱力源自当今世界的政治动乱，以及一种通过质疑传统戏剧惯例、风格和手法进而质疑政治权威的渴望。荒诞派戏剧是二战后第一个蓬勃发展起来的非传统戏剧，它产生的根源是，战后幸存者内心深处对这场世纪灾难的不解和疑惑。存在主义和荒诞派　存在主义（Existentialism）是一个哲学体系，两个法国人——让- 保罗•萨特（Jean-PaulSartre，1905—1980）和阿尔伯特•加缪（Albert Camus，1913—1960），清晰地阐述了这个体系。他们在其他作品中也表述了对第二次世界大战的反抗。存在主义者相信存在无意义；上帝不存在；在这个无理性的世界里，人是孤独的；唯一重要的是，个体能为他自己的行为负责。加缪和萨特创作戏剧来阐述这些观点。最著名的是萨特的《苍蝇》（The Flies，1943），改编自古希腊悲剧的《俄瑞斯忒亚》；《禁闭》（No Exit，1944），在这部剧作中，萨特表达了“他人即地狱”的观点。 20 世纪50 年代早期，一种将存在主义哲学与革命性的先锋戏剧形式结合在一起的戏剧方法出现。虽然这不是一场有组织的运动，它还是被批评家马丁•艾思林（Martin Esslin，1918—2002）称为荒诞派戏剧。艾思林指出，这个群体的剧作家有某种共同的特质：生活中发生的大部分事情的概念是可笑荒诞的，无法用逻辑解释，这种可笑或荒诞应当用戏剧行动反映。用这种方法进行创作的作家有塞缪尔•贝克特（Samuel Beckett，1906—1989）、让• 热内（Jean Genet，1910—1986）、欧仁• 尤奈斯库（Eugene Ionesco，1912—1994）、爱德华•阿尔比，以及哈罗德•品特（Harold Pinter，1930—2008）。 荒诞派剧作家表现我们的存在，包括人类的关系和人们的语言——琐细或无意义的。为了增强这一主题，他们使用表面上不合逻辑的戏剧手法。他们的情节也没有传统的高潮结构或片段式结构，常常是什么也没有发生：情节以循环的方式演进，以与开端一致的方式结束。人物不是现实主义的，景物有时是陌生的、不可辨识的。语言经常是电报机式的、稀疏的；人物之间很难交流。 塞缪尔•贝克特的《等待戈多》（Waiting for Godot，1953）可能是这些难以捉摸的、非传统戏剧中最著名的作品。与一些荒诞派剧作类似，它的情节是循环的：第二幕的行动看起来重新开始了，相比于第一幕却没有任何变化。两个主要人物，弗拉基米尔和爱斯特拉冈，花费大量的时间等待；他们什么也不做，也不能掌控他们的生活。其他两个人，幸运儿和波卓，也不能掌控他们的命运；命运翻转了他们的角色，将一个人从主人转为仆人，另一个从仆人转为主人。贝克特称《等待戈多》是一个两幕悲喜剧，以悲喜剧的观点揭示了人类的生存境遇。 实验戏剧　荒诞派之后，有了替代传统戏剧实践的进一步尝试。这些实验在20 世纪60 年代和70 年代的美国和欧洲展开。这些实验有很多方向——毫无疑问，这些方向反映了现代生活支离破碎的状态。实验包括偶发戏剧、多媒体戏剧和环境戏剧。 偶发戏剧（Happening）正如名字显示的那样，表现伴随着最低程度计划发生的无组织事件。20 世纪60 年代这种观点特别流行，即，艺术不应当被博物馆、画廊或音乐厅限制，而可以也应当发生在任何地方：街道拐角、杂货店或公共汽车站。 多媒体戏剧（Mutimedia）是戏剧和其他艺术的联合体，特别是舞蹈、电影和电视。在这种现在依然创作的戏剧形式里，现场表演者按一定的次序在电影或电视上互动。这种形式将艺术形式或新技术与戏剧事件融合在一起。一种当下流行的结合了戏剧、舞蹈和媒体的形式，我们称作表演艺术，会在下一章讨论它。 任何对二战后反现实主义的讨论都必须考虑到场景和灯光设计的新技术。如捷克斯洛伐克的舞美设计约瑟夫•斯沃博达（Josef Svoboda，1920—2002），实验了诸如投影、多媒体、可移动平台和新材料，包括塑料等元素。电脑技术也在许多现代剧场建筑和灯光系统中得到运用。 环境戏剧　20 世纪60 年代，美国的导演兼教师理查德•谢克纳（Richard Schechner，1934—）发明了“环境戏剧”（Environmental Theatre）这个词汇。然而，许多环境戏剧的特性源自早期先锋艺术家，包括弗塞沃洛德•梅耶荷德和安托南•阿尔托的作品和理论。环境戏剧理论的支持者将全部剧场空间视作一个表演区域，这意味着任何对表演者和观赏者的分割都是矫揉造作的。每个作品都有对空间的转换。 我们应当注意到，对谢克纳而言，不止是戏剧空间，包括戏剧文本都受到这样的转换制约：文本不再是神圣的或必需的，即兴创作和对现存文本的重写都是容许的。 对谢克纳的理论产生主要影响的是波兰导演耶日• 格洛托夫斯基（1933—1999）。1959 年到1970 年，格洛托夫斯基在波兰实验室剧场上演的许多作品带有环境戏剧的特性。对每个作品，都以符合演出的标准重新安排戏剧空间和表演者—观众的关系。依照格洛托夫斯基的观点，戏剧的实质是现场表演者和观众之间的相互影响——因此重新组织空间是他的重点。如他的《浮士德博士》（Doctor Faustus）中，戏剧空间被两张巨大的晚餐桌填满，观众坐在桌旁，好像在出席浮士德举办的宴会。在格洛托夫斯基大部分的作品里，现有的文本被表演者和导演彻底地修改。表演风格立足于外部，强调身体和声音而非内在的感情。格洛托夫斯基称他的戏剧为贫困戏剧（poor theatre），这意味着在布景和特殊效果上的匮乏。它转而依靠表演者的影响。 战后的导演 列出每一个战后的欧洲戏剧革新者是不可能的。然而，我们可以注意到，很多导演都从多种戏剧实验中借鉴，即折中主义。他们的作品结合了众多的先锋手法。 英国导演彼得•布鲁克（Peter Brook，1925—）是当代知名的折中主义者。在搬演彼得•魏斯（Peter Weiss）的《马拉/ 萨德》（Marat/Sade，1964）时，布鲁克借鉴了阿尔托的残酷戏剧的理念。他的莎士比亚作品《仲夏夜之梦》（1970）很明显地受到了梅耶荷德的生物力学实验和马戏团艺术的影响，如仙女出现在秋千上。从1971 年他成为巴黎戏剧研究所国际中心的导演起，布鲁克就竭力避免他称之为“僵死”的商业戏剧，因为商业戏剧不允许进行实验。布鲁克在他的著作《空的空间》（1968）中阐释了他的戏剧理论。他还出版了自传《多变的点》（The Shifting Point，1988），和回忆录《时代的线索》（Threadsof Time，1998）。 欧洲大陆有许多使用先锋戏剧手法实验的导演。他们中的一些人只能在两者择其一的环境中工作，然而其他人将他们作品中的实验风格更多地带入主要由政府资助的国家剧院。他们包括德国人皮特•斯坦（Peter Stein，1937—），俄国人尤里•留比莫夫（Yuri Lyubimov，1917—），波兰人塔迪尔兹• 凯恩特（Tadeusz Kantor，1915—1990）， 德国人皮特• 查德克（Peter Zadek，1926—）和法国人阿里亚娜•姆努什金（Ariane Mnouchkine，1940—）。姆努什金1964 年在巴黎建立了先锋剧院“太阳剧社”（Theatre du Soleil），已经成为欧洲最受尊敬的导演之一。 商业戏剧的替换选择 美国戏剧在20 世纪下半叶的重大发展是创造了重要的传统百老汇商业戏剧的替换选择。这些选择往往能给特殊的观众提供戏剧，演出常常更大胆、更勇敢、更新鲜也更具实验性。三种表现形式是地方戏剧、外百老汇和外外百老汇。应该指出，对后两种情况而言，这项运动遍及全国，而不止是在纽约市。 地方戏剧　在过去的半个世纪，美国的一项重要发展是一直增长的地方剧院数目。（在主要城市之外建立重要的剧院也是全球的趋势。）20 世纪40年代到50 年代，大量重要的地方剧院建立起来，并开始在大型城市和全国各地蓬勃发展。这些剧院是非盈利剧院而不是商业剧院，但是他们雇佣职业演员、导演和舞美设计师。他们既上演过去的经典剧目，也演出有趣的新作品。实际上在近几年，非盈利戏剧是美国戏剧新作品的主要来源。 这些非盈利剧院催生了许多重要的剧作家和导演的作品。最知名的剧作家是约翰•格尔 （John Guare，1938— ）、兰福德•威尔逊（Lanford Wilson，1937— ）、玛莎•诺曼（Marsha Norman，1947— ）和温迪•华瑟斯廷（Wendy Wasserstein，1950—2006）。在这些剧院中涌现的导演包括康尼狄格州哈特福德舞台剧院（Hartford Stage Company）的马克•拉莫斯（Mark Lamos，1946—）、纽黑文市馒头剧院（Long Wharf Theatre）的阿尔文•布朗（Arvin Brown）、路易斯维尔演员剧团的乔恩•乔里（Jon Jory，1938—）和狄斯•麦雅力夫（Des McAnuff，1952— ）。狄斯•麦雅力夫在很多地方剧院执导过作品，包括加利福尼亚州的拉•乔拉剧院（La Jolla Playhouse），有好几年的时间，他都是该剧院的领军人物。 值得注意的是，一个可比较的固定剧院团体已经成为一股重要力量。其中最知名的是曼哈顿戏剧俱乐部和剧作家视野剧院。 外百老汇、外外百老汇和可选择的地方戏剧　20 世纪50 年代，纽约的外百老汇作为商业戏剧的另一种选择，变得越来越昂贵。外百老汇在时代广场外面，那有许多百老汇剧场。外百老汇的剧场比百老汇剧场小，大部分有不到200 个座位。因为票价比百老汇便宜，外百老汇为严肃的经典剧目和实验性作品提供了更多机会。 然而到了20 世纪60 年代和70 年代，外百老汇变得昂贵和制度化。于是，小型独立创作团体不得不发展其他场所。于是外外百老汇诞生了。外外百老汇在相对便宜的空间演出，如教堂、阁楼、仓库和车库。低廉的票价和形式多样的作品是外外百老汇的特点。有许多实验性的作品在外外百老汇上演：如表演者自己创作的作品，融合了绘画、舞蹈和电视等多种形式的作品。辣妈妈咖啡馆是重要的外外百老汇剧场。生活剧团（Living Theatre）、开放剧团 （The Open Theatre）、表演团体（The Performance Group）、马布矿场剧团（Mabou Mines）和伍斯特剧团（The Wooster Group）都是活跃在外外百老汇的重要团体。 罗伯特• 威尔逊（Robert Wilson，1944—） 和里查德• 弗曼 （Richard Foreman，1937—）是两位实验性导演，他们的作品就是在外外百老汇进行的首演。他们的作品很典型，由导演决定主题或观点进行统一，而且他们的素材经常以类似电视或电影框架的方式组织成单元。包含导演自身观点的令人印象深刻的戏剧性画面是他们作品中重要的一点。 与外百老汇和外外百老汇相似的运动也在美国其他的主要城市传播开来，如华盛顿、芝加哥、明尼阿波利斯、洛杉矶、旧金山、西雅图和其他城市。小型团体的表演作为大型的、完备的地方剧院的替换选择。这些可选择性剧团的演出包括经典剧目、新戏和实验性作品。这类剧团和艺术家的特别之处是他们能呈现特殊团体感兴趣的作品，如女权主义戏剧、劳工戏剧、拉美戏剧、男同性恋和女同性恋戏剧以及美国黑人戏剧。 在远离主要城市商业中心之外的偏僻地区出现了替换戏剧，这股潮流正在全球发生。如伦敦有很悠久的“边缘”戏剧历史：这些剧场位于远离商业性的伦敦商业性西区的地区，建立的初衷是为了逃避审查制度，现在上演更多实验性的作品。 两个植根于替补戏剧的美国当代剧作家　萨姆•谢泼德（Sam Shepard，1943—）和戴维•马迈特（David Mamet，1947—）是两位美国剧作家，他们的作品在小型的、替代型的非盈利剧院上演，他们后来成为地方剧院和外百老汇剧院的卓越人物。与一些当代剧作家类似，谢泼德和马迈特的作品混合了高雅艺术观念——如美国家庭的困境和美国梦消亡的主题——和借鉴自电影、流行音乐和情节剧的手法。他们经常也模糊现实主义和抽象派的界限。萨姆•谢泼德在外外百老汇发展了他的编剧技巧，他的作品融合了超现实主义和荒诞派风格，并且抛弃了传统的情节结构和发展。他后来的剧本包括《被埋葬的孩子》（Buried Child，他因此剧获得了1979 年的普利策文学奖）、《真实的西部》（True West，1980）、《爱情傻瓜》（Fool for Love，1982）和《心灵的谎言》（A Lie of the Mind，1985）。这些作品表现美国神话、美国社会的暴力和美国家庭的堕落。谢泼德也在一些知名电影里演出。戴维•马迈特从芝加哥的戏剧舞台走出来。他的作品拥有自然主义的语言和背景，主要是关于被击垮的人物，人物的斗争是可被清晰认知的，然而他们没有提供轮廓鲜明的说明或传统现实主义式的解决方案。和谢泼德一样，马迈特也攻击美国人生活中一些被固化的理念。他最著名的作品是《美国野牛》（American Buffalo，1977）、《拜金一族》（Glengarry Glen Ross，1983）、《奥里安纳》（Oleanna,1992）和《波士顿婚姻》（Boston Marriage，1999）。马迈特也写作和导演了许多电影。 我们现在将要看到两种战后几年在美国日益突出的戏剧形式：美国黑人戏剧和音乐剧。 美国黑人戏剧 正如我们前面看到的，出现了许多带有具体政治观点诉诸不同观众群的戏剧作品，它们涉及了性别和性别取向。美国黑人戏剧（也被称作黑人戏剧），是戏剧反映美国文化差异和特定的群体对美国文化贡献的例子。美国黑人戏剧的历史可以回溯至1900 年，追寻它的发展历史，有助于我们理解美国黑人戏剧对当代戏剧的重要性和影响。 1900—1950年的美国黑人戏剧　20世纪之交，拉格泰姆的流行切分音节奏对新兴音乐剧产生了强烈影响，为许多富有才能的美国黑人提供了桥梁。 鲍布•库勒（Bob Cole，1864—1912）和威廉姆•约翰逊（William Johnson，1893—1954）构思、写作、创作和导演了第一个黑人音乐喜剧《昆城之旅》（A Trip to Coontown，1898）。喜剧演员伯特•威廉姆斯（Bert Williams，约1876—1922）和乔治•沃克（George Walker，1873—1911）和他们的妻子加入了作曲和写作，创作了音乐剧和轻歌剧，如《在达荷美》（In Dahomey，1902）和《阿比西尼亚》（Abyssinia，1906）。在这些作品中，美国人第一次在百老汇舞台上看到了不用炭笔抹黑化妆、不说方言、用高级时装装扮的黑人。20 世纪早期就出现了美国黑人的股份制剧团。最重要的是拉菲耶演员团体（Lafayette Players），1914 年由阿尼塔布什（Anita Bush，1883—1974）建立，原本叫阿尼塔布什演员团体。到1932 年关闭为止，这个团体上演了超过250部作品，雇佣了许多黑人明星。 20 世纪20 年代，黑人表演者和作家也开始进入商业戏剧领域。这10 年，有20 多部黑人主题的作品在百老汇上演，其中5 部由美国黑人写作，包括《一起走》（Shuffle Along，1921）， 由诺贝尔• 希瑟尔（Nobel Sissle，1889—1975）和尤比•布莱克（Eubie Blake，1883—1983）作词作曲。这10 年，一些黑人表演者如查理斯•吉尔平（Charles Gilpin，1878—1930）、保罗•罗宾逊（Paul Robeson，1898—1976）和埃塞尔•沃特斯（Ethel Waters，1896—1977）也出现在严肃戏剧中。 大萧条迫使黑人表演者寻找其他谋生的方法或使用巧妙的方法建立自己的剧院。在百老汇，只有少量作品有黑人，如民间音乐喜剧《孩子，快跑》（RunLittle Chillun，1933）和由兰斯顿•休斯（Langston Hughes，1902—1967）主演的《混血儿》（Mulatto，1935）。 20 世纪30 年代黑人戏剧最重要的发展也许是联邦戏剧项目。这个项目帮助戏剧艺术家渡过大萧条的艰难时期，在22 个城市形成了独立的黑人单元。这些城市上演黑人和白人作者写作的作品，雇佣数以千计的美国黑人剧作家、表演者和技师。1941 年，根据理查德•赖特（Richard Wright，1908—1960）富有争议性的小说《土生子》（Native Son）改编的舞台剧，由奥森•威尔斯（OrsonWelles）导演，在他的墨丘利剧院上演。其他重要的百老汇商业演出包括，1943 年保罗•罗宾逊的《奥赛罗》296 次的演出记录和由亚伯兰•希尔（AbramHill，1911—1986）改编的《安妮恨史》（Anna Lucasta，1944）。 20 世纪50 年代以来的美国黑人戏剧　20 世纪50 年代，黑人戏剧迅速发展，这种发展势头在接下来的50 年得以延续。路易斯•帕特森（LouisPatterson，1922—）的《一大步》（Take a Giant Step）——关于在一个没有种族界限的邻居身边成长的作品，首演于1953 年。20 世纪30 年代以来，黑人戏剧的一个重要人物是剧作家导演欧文•道森（Owen Donson，1914—1983），于1954 年在霍华德大学搬演了詹姆斯•鲍德温（James Baldwin，1924—1987）的《阿门角》（Amen Corner）。 在外百老汇，格林尼治夫斯剧院（Greenwich Mews Theatre）开始打造不分种族的演出，并制作爱丽丝•奇尔德里斯（Alice Childress，1920—1994）的《心灵的烦恼》（Trouble in mind）——第一个美国黑人女性接到的商业作品。战后最重要的作品可能是洛林•汉斯贝利（Lorriaine Hansberry，1930—1965）的《阳光下的葡萄干》（A Raisin in the Sun，1959）。故事讲述了一个芝加哥的黑人家庭，这个家庭由一个虔诚的母亲当家，这位母亲计划搬去白人居民占多数的社区，在那里黑人家庭会受到排挤。她的儿子在想要一夜暴富的计划里丧失了财产后，担起了对家庭的责任。汉斯贝利的作品由劳埃德•理查德（LloydRichards，1922—2006）导演，他是百老汇的第一个黑人导演。理查德后来成为耶鲁大学戏剧部的负责人，20 世纪80 年代在耶鲁大学他培养了富有天赋的黑人剧作家奥古斯特•威尔逊（August Wilson，1945—2005）。威尔逊的作品有《玛•雷尼的黑底》（Ma Rainey’s Black Bottom，1984）、《篱》（Fences，1985）、《乔•特纳的来与去》（Joe Turner’s Come and Gone，1986）、《钢琴课》（The Piano Lesson，1990）、《海洋之珍》（Gem of the Ocean，2003）和《广播高尔夫》（Radio Golf，2005）。 20 世纪60 年代到90 年代，涌现了大量美国黑人的戏剧作品，大部分反映了民权斗争。阿米里•巴拉卡（Amiri Baraka，1934—）以《荷兰人》引起了戏迷们的注意，故事发生地设置在纽约的地铁，表现了在一个黑人男性和一个诱人的白人女性间的性别战争。他的作品《奴隶》（The Slave，1965）、《卫生间》（The Toilet，1965）和《奴隶船》（Slave Ship，1970）表现了黑人面临的政治、社会学和心理学上进退两难的局面。这二十年来重要的剧作有，卢纳•艾德（Lonne Elder）的《黑暗中老男人的庆典》（Ceremonies in Dark Old Men，1969），查理斯•戈登（Charles Gordone）的《无处逃身》（No Place to Be Somebody，1969），道格拉斯•特纳•沃德的《缺席的日子》（Dayof Absence，1970）和查理斯•富勒（Charles Fuller）的《一个士兵的戏》（A Soldier’s Play，1981），其中《一个士兵的戏》赢得了普利策戏剧奖。 1970 年美国的黑人戏剧联盟有超过125 个制作团体。然而10 年中只有少数团体幸存下来，但许多团体都产生了重要影响。除了这些创作团体的出现，20 世纪70 年代的另一个重大变化是越来越多的黑人观众出现在百老汇剧院，这带来了一些很重要的商业性美国黑人戏剧作品，如《不要烦我》（Don’t Bother Me）、《我无法应付》（I Can’t Cope，1972）、《奇才》（The Wiz，1975）、《泡泡红糖》（Bubbling Brown Sugar，1976）。这股潮流持续到20世纪80 年代和90 年代的热门，如《杰里最后的果酱》（Jelly’s Last Jam，1992）和《踢踏春秋》（Bring in’da noise, Bring in'da funk，1996）。 美国黑人戏剧艺术家持续在商业戏剧和非营利戏剧中产生影响。如乔治•C• 乌尔夫（George C. Wolfe，1955—），《色彩博物馆》（Colored Museum，1986）、《杰里最后的果酱》和《踢踏春秋》的作者导演，还执导了获奖作品《天使在美国》（Angels In America）的两个部分。1993 年至2004年，乌尔夫是公共剧场的艺术总监。2003 年，乌尔夫执导了《卡罗琳的零钱》（Caroline, or Change），用的托尼•库什纳创作的剧本。另一个美国黑人导演肯尼•莱昂（Kenny Leon，1955—），2002 年在亚特兰大建立了真色彩剧院，2004 年在百老汇执导了《阳光下的葡萄干》。 苏珊-劳瑞•帕克斯（Suzan-Lori Parks，1964—）、珀尔•柯立芝（Pearl Cleage，1948—）和谢莉尔•韦斯特（Cheryl West，1956—）是三个当代美国黑人女性剧作家，她们的作品涉及种族主义和女性主义问题，并且已经在地方剧院和替代剧场上演。 另一个美国黑人女性戏剧家是起亚•蔻蓉（Kia Corthron，1961—），她的作品以政治为取向。蔻蓉的作品包括《寻求成因》（Seeking the Genesis，1996），《力量联合体》（Force Continuum，2000）和《急速呼吸》（Breath,Boom，2001），已经在外外百老汇和地方主要剧场上演。