过去的10年中,我搜集整理了学生提出的有关摄影实践的许多问题,下面列举出的问题涉及摄影基础的方方面面。通过思考这些问题,读者能拓展、加深自己的视觉潜力并发现隐藏的兴趣点,而不是跟随某种风格或潮流。这里所给出的答案并不排除还有其他可能,确切地说这些回答应该是一种引导,其目的在于激发或帮助读者得出个人的结论。此外,我更希望鼓励大家以视觉艺术的方式去思考生命,自觉地从艺术、文学、哲学和科学中探寻对人生的感悟,这能为大家的创造性活动、行为方式和成长提供指引方向。 1. 如何成为一名摄影师? 先前的摄影作品会对后来的作品产生影响,因此想成为一名摄影师,观看摄影作品和其他视觉作品是你第一步要做的事情。阅读经典和能吸引你的注意力的作品,之后学习和练习不同的方法进行拍摄,不仅仅是为了熟练技术操作,还要找到能清楚地表达观点的方法。应避免首先考虑拍摄技术,要先有创作观点,正如德国艺术家约瑟夫•博伊斯(Joseph Beuys)所说:“如果你有了灵感,剩下的事情将变得很简单。”然后,运用摄影技术手段将观点表达出来。谈论、思考和写作有关摄影的话题是理解摄影创作过程必不可少的过程,但这并不能造就出一名摄影师。归根结底,如若想成为一名摄影师,你就必须全身心地投入到摄影创作中。 2. 摄影为何重要? 在一场又一场的灾难之后,幸存者们将那些无可替代的灾难瞬间影像公之于众,这揭示出人们从事摄影创作的奥秘:留存或纪念个人的重要之事。一幅照片也许时常轻敲人们的记忆或者试图阻止灾难再次发生。无论动机如何,纪念和缅怀是摄影的本质。 就摄影实践来说,这又意味着什么呢?这意味着为我们提供了更多的选择。无论影像来自于自然界还是来自于书籍或网络,摄影师的工作中很重要的部分就是自觉地“寻找某物”,寻找的过程是需要筹划的,其特别的过程、不确定性、令人惊讶的结果以及不切实际的复杂性都使摄影师变得与众不同。 3. 为什么你的作品需要观众? 交流和激发艺术家对社会和整个世界的看法是摄影师工作职责的一部分,如果不能与观众展开交流,那么作品将是不完整的,也无法令人满意。 4. 相较于语言,影像的优势在哪里? 一位有才华的摄影师可以与人分享独特的视觉体验,这向语言发起了公然的挑战。作家阿尔伯特•加缪(Albert Camus)说:“如果我们能完全理解生活的奥秘,那么艺术将失去存在的意义。”众所周知,语言的作用在于将难以形容的事物定名,但还有许多感受超出语言的描述能力。摄影能够超脱其物理属性,描述对某物的感受和情感。通过控制画幅空间与拍摄时间,摄影师把那些美轮美奂的瞬间展现在我们的面前,它将那些快速闪过的、容易被人所忽略的、甚至是一知半解的文化现象深深印刻在我们的记忆和情感中,由此成为个人心灵感官的一部分,构成人物个性和社会属性的重要组成元素。 5. 怎样培养摄影的兴趣? 摄影的兴趣来自于共鸣,它为观赏者提供了对主题原初性的理性认知和感性体验的机会,因此摄影的价值并非局限于对人、地点、事件和与我们人生相似的一切情感的描述。一张富有魅力的图片具有感召力并激发我们潜在感官能力的力量,我们常常会萌生一些想法或感觉但却无法描绘其具体形式,摄影作品的魅力就在于能将这种无以言表的感受变成可被观看的作品。 6. 如何确定摄影作品的内涵? 内涵并非是摄影作品自身固有的,它是建立在摄影师、摄影作品和观众之间的动态性认知和感性联系。摄影作品的结构在被理解之前就具有交流的功能,一幅优秀的影像往往教会人们如何通过阅读唤起观众的生活体验,尽管内涵并不总是存在于事物之中,但有时可以在影像与观众之间产生共鸣。人们被优秀的影像作品所吸引并试图了解影像背后的深层释义。当一个人陷入深思,试图了解影像阐释的可能性,多种多样的内涵开始显现出来。 这最后导致的结果是,内涵就如天气一般是地方性的、局限的,每位观众根据个人的世界观解释影像的深层意义,而世界观则与他们的个人喜好、家庭背景以及年龄等有关。 7. 21世纪,摄影师该如何界定美和真实? 美是对某一时刻的赞许,尽管美和真实都受制于时代并仅仅存在于瞬间,但摄影师能灵敏地捕捉到两者相互影响的轨迹,由此引起观众的思考。这样的摄影作品能证明某种经验的真实性,允许我们深入思考并最终领悟深层内涵。 在过去的25年间,有关性别、全球化、身份认同、种族和性等话题非常流行,而此前很长一段时间,这些话题是被忽略的。就数字影像创作而言,艺术影像高于一切。但是,无论影像制作者使用传统银盐制作法记录真实还是运用数字技术使其改观,两个始终困扰着影像创作者的最重要的议题——美感与私人化的真实——已经变得不再重要,尤其在学术领域,反讽往往是艺术家们惯用的方法。 如果仅仅是从文化建设或广告商们故弄玄虚的作品等角度上来讲,美不是神话,但它却是人类天性中最基本、最本能的部分。我们对美热切地追求由来已久,不要简单地忽视它,因为它并不能用科学手段加以衡量。人类思想史可以通过视觉愉悦的方式呈现出来。在前基督教时代,柏拉图指出每个人都有的三个愿望:“健康、财富和美貌”。后来,美国哲学家乔治•桑塔亚纳(George Santayana)提出假设,认为“人类与生俱来就有一种寻求美、评价美的倾向”。 尽管难以描述,但有些可被见到的图形完全能够解释“个人化的真实”(不容怀疑的结论) 。当我们找到了所谓的个人化的真实,它会紧紧抓住我们——无论是精神上还是肉体上都让我们从正在进行的事情中完全地跳脱出来——同时使我们变得清醒,消除未来将会对美与真实产生的疑惑,强化艺术在我们的生活当中所扮演的重要角色。 8. 数字影像与传统影像相比,其优越性是什么? 实事求是地讲,数字影像不再需要在暗房中冲洗胶片,不再需要购置大量的冲印设备,也可以减少化学药剂对人身体的伤害。人们使用数字影像处理系统创造且呈现出他们认为重要的事物以及他们决定颠覆的任何理念,而使用传统胶片相机的摄影师们往往在前期拍摄过程中先拍下所有的景物,然后再利用消减构成的方法去完成上述目标,数字影像却允许艺术家们的创作从一片空白开始。如此一来,对主体的直觉和情感重量就不会受制于其物理特征,影像制作者们就可以自由地表达他们对某一主题的观点。 9. 数字影像的缺点是什么? 大部分数字影像还在继续使用过去的创作策略,没有全新的表达方法。尽管制造商创造了奇迹,人们只要按动鼠标或运用滤镜就可以实现许多艺术效果,但挑战依然存在,那就是要找到数字影像自身固有的法则。从实践层面上讲,拥有一张底片,你就可以随时查看原始影像,而无需担心后期处理技术对原底进行修改。你现在完全可以拿着塔尔博特当年出版摄影集《自然的铅笔》(The Pencil of Nature, 1843-1846)时的底片再次冲印。150年以后,人们是否能够便捷地查阅电子文档中的影像文件?或者存储在软盘中的影像数据能否逃脱技术破损的厄运? 人们不必像卢德分子2那样继续使用印刷技术,之所以还存在多种模拟程序是因为数字化影像制作技术想要将摄影师从摄影流程中排除出去。这不是浪漫的观点,也不是对既往摄影方式的感怀,但数字化进程却让摄影者们失去了在橘红灯光的照射下的暗房中,将客观存在的影像在身心并用的配合下制作出一幅照片的单纯乐趣。数字影像后期更像是一种触觉体验,传统摄影后期中化学药剂的味道和影像在显影液的作用下从无到有的奇妙体验都不复存在。传统银盐技术生成的影像质感在后期生成并尚未晾干之前达到最佳。不管在暗房中工作多久,影像“诞生”的奇妙体验将无可替代。 10. 如何培养摄影的兴趣? 尽管摄影是迅速捕捉事物表象行之有效的一种手段,但对深层意义的表现却无能为力,它不能自觉地臆想在客观事物的表面之下隐藏着涵义。内涵并不总是与形式有关,能够影响人们的摄影作品往往与主题甚至与此相关的一切评论无关。这一认知为摄影主题创造了无限潜力。 光和影是每幅摄影作品必不可少的构成元素,这早在塔尔博特的作品《打开的门》(The Open Door, 1843)中就已经得以印证,这幅作品阐明了他的观点,他认为“在摄影作品中,主体居于光线与空间表现之后的次要位置”。光线性质能够揭示或掩盖被摄主体的特征,从而成就或破坏一幅摄影作品的最终效果。光线效果分为自然光或人工光,但如果没有光线的作用,即使是最吸引人的景物也会变得平淡无奇。事实上,光线是每一个摄影师必须熟练掌握并运用的首要法则,正如塔尔博特所说:“画家的视线往往会被那些常人认为毫无美感的事物所吸引,一道平凡的光线,抑或是他常常走过的小径的阴影,枯萎的橡树或被苔藓覆盖的石头,这些都能激发他们的想象和灵感,然后创作出绘画作品。”可见镜头所拍摄的景物也许并非是摄影作品的主题。 11. 摄影创作原则是否由来已久? 接受摄影创作原则由来已久的事实似乎就是承认了陈词滥调,陈腐的观念并不是错误的,但问题在于把复杂的观念简单化和表面化。摄影师们在惯性的作用下面对某一环境或事件时往往只关注其表面,这是十分不利的。举一个简单的例子,拍摄尼亚加拉瀑布或一个辣椒之前,摄影师与被摄主体之间不会进行任何沟通,但优秀的摄影师会通过提供视觉线索和信息引发观众的深刻思考,因此他们必须要学会如何提炼主题。通过深入探索某一主题抑或挑战陈规,摄影师们能够重构他们已扭曲的、忽视的或失去意义的视野,由此获得全新的认知和感受。 12. 如果我情绪不好,该如何从事摄影创作? 感受喜悦与悲伤是人类生活中必不可少的部分,每当我们承受痛苦时,最重要的是要记得这些都是我们获取知识的必经过程。这并不是说人们必须要在痛苦中进行艺术创作,但压力能转化成正面的能量,从而激发人们求知的愿望,构成改变的动因。拍照片能让我们将痛苦置于画面之中,画面帮助我们了解痛苦的来源,划定其范围,适应现状并最终找到缓解情绪的办法。在生命的旅途上,我们常常穷其一生去探索一种名为“智慧”的品质,在压力的作用下,智慧和想象力能够得以催生,让人们更快地找到以往被忽视的、被否定的真相。 13. 当我不知道该如何表达某个主题时,该怎么办? 当你遇到阻力并始终无法解决这个问题时,请试着转变你的思维模式。找一个舒适安静的房间坐下来,闭上眼睛,任由思绪纷飞。有些人也许会洗个澡或外出散步,最重要的是找到能够转变思维模式的方法。经验证明,如下的解决方案行之有效:抛开认知的干扰,让内心成为隐形的观察者,关注周围环境,然后再回归到你的正常状态得出可行的结论。要记得手里拿着纸和笔。 14. 为什么要熟练掌握我们手中的工具? 熟练掌握摄影工具是保证摄影师自由创作的前提和基础。好的照片第一眼看上去是令人兴奋并觉得奇妙的,可是摄影作品更应该具有客观的品质。因此,摄影师必须具备专业素养,去发觉图片的潜力,从而使得操作更为灵活、焦点更为集中、构图更加凝练。这个过程需要你重新检视和思考自己的内心冲动,抛开一切朴实无华的片段,把那些新的和容易被忽视的观点整合,你会感到无比充实。如果摄影师能够将大量的时间投入到筹策创意、学习新的技术技能、尝试不同的技术材料和拍摄方法,那么他将获得更全面的美学造诣和更深刻的文化内涵。在此过程中,我们会找到与在日常生活和社会中完全不同的自己。 15. 为何拍摄自己的摄影作品显得如此重要? 摄影创作的行为驱使人们不止一次地观察和思考,增强了鉴赏能力和领悟能力。这不仅让你从一个全新的角度去观察事物,同时也是让人十分高兴的生理和心理过程。它告诉我们,也许人生是荒唐的,但并不平庸。在拍照片时,摄影师会忘记客观世界与主观想象之间的内在联系,正如艺术家帕特•培根(Pat Bacon)所说:“拍摄作品,经常创作,使之有意义。” 16. 我应传达给观众多少视觉信息才能将内容表达清楚? 传达摄影信息有两种基本形式,一种是开放式的,它将大量的视觉信息呈现给观众,观众可以自行选择并凭借经验理解画面;另一种是封闭式的,它将所有与主题相关的部分信息呈现给观众,观众通过这些信息得出自己的答案。摄影师要决定哪种方式最适合主题和自己的独特创意,这由具体情况决定。同时,系列作品的形式和风格要统一,这将为你整理思路和合理安排创作程序提供基本范本,使主题的表达更为集中。 17. 如果想成为一名好的摄影师,我要做出怎样的努力? 美国诗人兰德•贾雷尔(Randall Jarrell)曾说过:“一位好诗人能驾驭全局,在经历人生的风雨之后依然坚强。如果他能够经受住成百上千次的锤炼,那么,他必将会成为一位伟大的人”,这个比喻也可以运用到其他的艺术上。安塞尔•亚当斯说,通常他会对花上一个月时间拍出的作品感到满意。大多数的艺术实践都会经历这样的过程。许多优秀的艺术家尽管承担着风险,但他们清楚地知道,并不是所有的作品都能够进入公开发行渠道。在充满建设性和挑战批判言论的状况之下往往更有益于得出解决方案。久而久之,技术娴熟的艺术家们学会自己编辑和撰写评论性文章,把经深思熟虑的结论公之于众。请记住亨利•卡蒂埃-布列松(Henri Cartier-Bresson)的话:“你难得拍出一张伟大的照片。你必须从一头牛身上挤出很多牛奶,之后再做出一小块奶酪,明白吗?” 18. 摄影师们应如何协调时间、空间和比例与主题意义之间的复杂关系? 摄影的过程包括对单个或系列影像结构、叙事化和非叙事化的结构以及照片内部与外部关联等元素始终保持开阔的思维。怎样才能改变比例关系,让观众感受到你所希望呈现的透视关系?非常规的透视能否带来幽默、神秘或恐怖的感觉?运用非常规的透视法则,你会如何重新理解这个主题?你要时常问问自己:“影像尺寸是怎样影响观众对主题的理解的?如果把图片换成彩色的或黑白的,是否会影响情感的表达?试试看,相邻图片如何对彼此起作用的?如果给图片加上文字解释,又会发生什么事情?有主题与无主题的差异究竟有多大?展览最有效的形式是什么?最佳展览地点在哪里?” 19. 为什么要学习摄影史? 历史是我们在过去的基础上认识自身的方式,同时,它也决定着我们与未来之间的关系。熟知摄影史使摄影师们了解先辈们曾达到的成就,并将摄影艺术发扬光大。研究那些和你有着相同拍摄领域的摄影师及作品,然后问自己:我的作品与他的会有什么关联?共同点是什么?区别在哪里?摄影史也为人们提供了学习基本摄影技能的机会,你需要批判地看待那些已有作品:叙述方式、诠释方式和评估方式。掌握了基础知识以后,摄影师们应推动摄影艺术的发展,正如爱尔兰作家奥斯卡•王尔德(Oscar Wilde)所言:“我们得益于历史之处就是改写历史(The duty we owe to history is to rewrite it)。” 20. 学习他人的作品有哪些局限? 法国小说家马塞尔•普鲁斯特(Marcel Proust)说:“如若想体会别人的感受,最好的办法就是设身处地”观赏别人的作品能够帮助我们体会他们的创作意图,完善我们自身的想法。同时,这也会让我们深刻体会当前社会环境中的视觉和媒介文化。暂且不说那些影像开拓了我们的视野,令我们感知周围环境或加强我们对社会的了解,从根本上讲,摄影作品也许并不能引起我们足够的共鸣,因为你不是摄影师本人。观赏摄影作品的瞬间将我们放置于认知的门槛上,但并不意味着人们完全领会了它的涵义。欣赏为我们开启了深入探索内心世界的门,但是如果被内心完全俘获又是极度危险的。我们大部分人之所以会成为摄影师是因为我们所看到的作品还不能令我们满意,于是我们成为一名摄影师,抛开对过往最好作品的印象,依靠自己的内心,拍出属于自己的作品。 21. 理性思维是否会影响摄影创作? 答案是对,却也不对。要留心那些不能独立思考,只会依赖于美学的、空谈的或技术性的指引妄想达到艺术高峰的人。在开始动手之前,你不必知道答案,因为不确定的结果往往是获得充满魅力的作品的必经之路。对那些未知的事情不要感到惊慌。理性思维往往意味着懂得很多道理,并在人生的过程中不断修习完善。摄影是一个充满惊喜发现的过程,但不要让求证成为摄影的核心焦点和终极目标。理性思维是视觉探险的切入点,首先要懂得如何开始你的拍摄计划,然后开始朝向新的目标前进。 22. 是否有必要解释我的摄影作品? 当然,给观众提供了解艺术家创作意图的支点是至关重要的。这也使摄影师在此过程中了解观众是否同意他们的目的。尽管如此,艺术家的解释只能提供单一的理解影像意义的凭证,保持开放地接纳不同观点的态度,影像制作者们会在作品中找到他们未曾预期到的价值。 神秘感也是艺术创作的基本品质。英国画家弗朗西斯•培根(Francis Bacon)的画作深受摄影创作的影响,他深信作品的能量来自于其神秘的、深不可测的内在品质。培根认为:“如果一幅作品能够用语言精确地解释清楚,那么它将成为一个证据。如果艺术是能够解释清楚的,人们为何还去自找麻烦?”在培根看来,一幅作品之所以成功就在于其不确定性,而叙述性元素是使其意义确定下来的唯一途径。几个世纪以来,故事性始终是西方绘画的精髓,但那是资产阶级的安逸。19世纪叙事绘画风潮提倡浅薄的学术规律,对现代艺术的美学法则恨之入骨。培根的立场很坚定,他始终持有画面本身无意义、无语言的态度。他认为绘画创作就是将人的忧虑情绪投射在画布上,他声称希望自己“像西班牙著名画家迭戈•委拉斯开兹(Diego Velázquez)那样绘画,但要剥去像河马皮那样厚厚的文本说明”,在大师的启发之下形成锋锐的绘画风格。因此,在他的油画中,他非常重视强调如摄影作品般的直观性,就像古代欧洲的宫廷肖像。 23. 评论与批评的作用是什么? 著名的批评家、学者兰德•贾雷尔(Randall Jarrel)写道“除非你是成百上千的评论家中的一员,否则未来总有一天,你将成为过往的失败案例。”批评的真正作用是为评论作品的价值服务的,专业的评论家不会设立生硬的标准和模式,也不会将个人约定俗成的理念强加在别人的身上,而是按照作品及其拍摄经历设立标准的艺术批评体系。有关未来,我们唯一知道的就是它不会如我们想象中那样存在,因此,对于那些先锋的观点,我们应采取包容、开放的态度。 24. 各种摄影理论在现代摄影中扮演着什么角色? 这是有关创作态度和优先权的问题。你是希望学习摄影本身还是更关注摄影理论体系的架构?最好的情况是,后现代摄影理论对多种诠释的可能性持有开放的态度;而最坏的情况是,后现代摄影理论提倡虚无主义唯我论,也就是提倡所有无确定意义的摄影表达方法杂糅在一起。作为一名学生,你一定不想把所有的理论囫囵吞枣似地学完,完全无视个人的喜好,因此清晰地把握艺术流派的发展脉络是非常必要的。 25. 良师往往传授些什么? 良师会循序渐进地教导学生富有责任感、自律精神和慷慨的品质,他们鼓励学生批判地接受所学知识,鼓励他们自主地工作寻找达成最终目的的途径,良师还教导学生应尊重别人的实践成果。 26. 摄影师该如何谋生? 艺术家的生活需求取决于你想要做什么,你需要多少钱。只有百分之一左右的艺术家能够依赖他们的艺术作品谋生,不要期待从高等教育机构中得到一个全职工作的机会,即便是在众多院校中做一名助教都是很难的事情。但是,在很多艺术和文化机构、初高中里有很多工作机会。要极力争取实习的机会,你会在感兴趣的领域里获取第一手的实践经验,优秀的实习表现会使你获得进一步工作的机会。视觉艺术行业始终是一个狭窄的领域,努力的工作表现和广泛的社交技巧就像是写给未来的信件或沟通现在与将来的桥梁,使你受益终身。(参见附录 2 工作前景) 27. 哪种器材最好? 这并不重要,每种相机都不错,重点在于如何使用它。旅游摄影师彼得•亚当斯(Peter Adams)说:“摄影艺术与相机、器材设备无关,摄影是与摄影师有关的艺术,一部照相机不能拍摄出传世佳作,就好像一部打印机无法写出一本经久不衰的小说。” 28. 其他艺术领域创造性的努力能够激发你的灵感? 当然,爱因斯坦为莫扎特的音乐而着迷并深切地感受到,两人的创造过程有着某种相似性,同样也与他们的个人经历有关。小时候,爱因斯坦是一个穷学生,音乐成了他发泄情感的出口。十三岁时,他第一次听到莫扎特的奏鸣曲,于是便为之着迷。此后,他常常满怀激情地演奏小提琴并参加一些音乐晚会。同时爱因斯坦深深地敬佩莫扎特即便身处于非常艰苦和穷困的条件之下仍坚持不懈地创作出伟大乐章的能力。1905年,爱因斯坦提出了狭义相对论,他当时在一间狭小的公寓里生活,棘手的婚姻问题和财产争端在不断地困扰着他。就在那一年的春天,他写下了四页纸的文章,而这四页纸张改变了世界。他的关于时间与空间的观点有部分来自于对美学的不满,他认为物理形态上的不对称性隐藏了美的天然属性,缺乏巴赫和莫扎特音乐中所具有的“外在结构”和“内在属性”上的统一。1915年,爱因斯坦提出广义相对论的概念,在此过程中每当他为复杂的数学公式而苦恼时,莫扎特的音乐总是能给他灵感。科学家们总是把相对论推崇为世界上最美的定理,爱因斯坦又强化了这一理论的美感,这是他对宇宙概念的个人化诠释。令人惊奇的是正如爱因斯坦设想得那样,宇宙展现出了像“黑洞”等宏伟神奇的现象。那么,艺术家们所寻求的灵感又是什么呢? 29. 现在,轮到你在这里提问了!
光与镜头——1.7 影像制作基础知识问答
书名: 光与镜头
作者: [美] 罗伯特·希尔施
出版社: 世界图书出版公司
原作名: LIGTH AND LENS : PHOTOGRAPHY IN THE DIGITAL AGE
副标题: 通往卓越影像之路
译者: 王婧
出版年: 2012-9
页数: 414
定价: 99.80元
装帧: 平装
丛书: 后浪摄影学院
ISBN: 9787510048920